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In February 2026, ByteDance dropped Seedance 2.0. Within 24 hours it was everywhere, because a filmmaker generated a Hollywood-quality fight scene with a two-line prompt. The Deadpool screenwriter saw it and publicly posted that it was likely over for screenwriters. Elon Musk replied. The Motion Picture Association issued a formal statement the same day. ByteDance pulled the ability to generate real celebrity likenesses, tightened the guardrails, and the internet held its breath wondering if the model had been gutted in the process.
아니었습니다. 밑바탕의 역량, 즉 액션, 물리, 움직임, 감정 연기까지 모두 온전히 살아남았죠. 그리고 솔직히 그런 논의는 필요합니다. 생성형 AI는 어떤 법적 프레임워크도 따라잡을 수 없을 만큼 빠르게 발전하고 있고, 업계가 이를 어떻게 다루는지는 중요합니다. 하지만 그건 다른 영상 이야기입니다. 우리가 말할 수 있는 건, Seedance 2.0이 지금 시장에서 가장 뛰어난 비디오 모델이며 OpenArt에서 바로 쓸 수 있다는 것입니다.
콘텐츠 미디어 & 교육 총괄 Ermin Monzon가 이 모델이 기술적으로 왜 중요한지 분석했습니다. 사내 크리에이터 Bob은 떠올릴 수 있는 모든 레퍼런스 유형을 극한까지 테스트했습니다. 그리고 협업자 Mia Meow는 몇 주간의 테스트를 바탕으로 10가지 팁 워크플로우 가이드를 만들었습니다. 이 핸드북은 세 사람의 자료 중 가장 알찬 내용을 모아 하나의 완전한 그림을 제공합니다.
Seedance 2.0로 할 수 있는 것 → Ermin의 개요
워크플로 팁을 살펴보기 전에, 이 모델이 왜 이런 반응을 일으키고 있는지 이해할 필요가 있습니다. Ermin은 Seedance 2.0이 시장의 다른 모든 것과 어디에서 차별화되는지를 보여주는 일련의 데모를 소개했습니다.
The fight scene that broke the internet is the obvious headline, but the demo that surprised Ermin more was a dancer with neon light trails sweeping around them in orbital arcs. It looks like a Nike commercial or a music video with a serious production budget. The reason this is technically significant is that the light trails are not composited over the dancer. The model generated both simultaneously. The motion and the effect interact with each other: the trails bend around the dancer's body, and the lighting from the trails actually reflects on the floor beneath them. That is called coherent VFX generation. The model understands that light behaves physically. It does not just paint glowing lines on top of video. For anyone doing music video content, UGC ads, or anything with a visual effects component, this is where Seedance 2.0 stands apart.
눈여겨볼 또 다른 데모: 스키어가 산에서 도약하고 배경에는 알프스 산맥이 가득 펼쳐집니다. 눈보라의 물리 법칙, 몸의 회전, 착지까지. 모두 생성된 것이며, 모두 물리적으로 그럴듯합니다. 이 모델은 현재 공개된 다른 어떤 도구도 따라오지 못하는 수준으로 액션과 모션을 처리합니다.
텍스트 투 비디오: 원테이크 prompt 구조 → Mia의 영상 0:50 지점
Mia의 텍스트-투-비디오 데모에서 들리는 모든 것, 오디오와 주변 사운드는 영상과 동시에 생성되었습니다. 하나의 프롬프트, 하나의 테이크로요. 다른 모델들은 이렇게 많은 디테일을 한 번의 생성으로 담아내는 데 어려움을 겪습니다. Seedance 2.0은 여러분이 준 것을 실제로 그대로 따릅니다.
싱글 테이크 샷을 위한 Mia의 prompt 구조는 간단합니다. "continuous single take"과 카메라 동작으로 시작하세요. 그다음 카메라가 움직이며 무엇을 보는지 설명하세요. 마지막으로 제어 및 스타일 키워드로 마무리합니다: no cuts, seamless transition, cinematic, high definition. 이 공식만으로도 강력한 결과를 얻을 수 있습니다.
더 복잡한 장면, 예를 들어 2:13의 전투 시퀀스, Mia recommends starting with a clear beginning and end state. Describe the fight scene, describe how it ends (everyone on the ground, for example), and let the model fill the middle. She also found that describing specific camera angles creates a more cinematic feel, and adding a film genre reference to the end of the prompt helps set the visual tone. One thing she discovered through iteration: if you describe your characters physically in the prompt rather than leaving it vague, the model does a better job designing the scene and keeping characters visually distinct.
Mia의 prompt 작성 핵심 인사이트: 모델은 영화 언어에 잘 학습되어 있습니다. "트래킹 샷", "크레인 샷", "휩 팬" 같은 용어나 "거친 전쟁 영화", "네오 누아르 스릴러" 같은 장르 단서가 큰 효과를 냅니다.
Mia의 전체 튜토리얼은 이 핸드북 전반에서 정리한 팁들을 포함해 10가지 워크플로우 팁을 모두 다룹니다. 함께 시청하거나 나중에 다시 돌아와서 보세요.
레퍼런스 시스템: 이미지, 영상, 오디오를 prompt에 태그하기 → Mia의 영상 4:27 지점 · → Bob의 레퍼런스 심층 분석
이것이 OpenArt의 Seedance 2.0에서 나머지 모든 기능을 뒷받침하는 핵심 원리이며, 이를 이해하면 이후의 모든 섹션이 훨씬 잘 이해될 것입니다.
개념은 간단합니다. 이미지, 비디오, 오디오 파일을 레퍼런스로 업로드한 다음, 텍스트 프롬프트 안에서 @ 기호를 사용해 직접 태그하면 됩니다. @를 입력하면 참조할 업로드 파일을 선택할 수 있습니다. 그런 다음 각 파일을 어떻게 사용할지 모델에게 정확히 지시하세요. 첫 번째 이미지의 얼굴 사용하기, 첫 번째 비디오의 카메라 움직임 사용하기, 첫 번째 오디오에 립싱크하기처럼요. 모델은 프롬프트를 읽고 태그된 파일들을 살펴본 뒤 모든 것을 하나의 생성 결과로 결합합니다.
Mia의 4:27의 멀티모달 워크스루 이 작동 방식을 가장 깔끔하게 설명해 줍니다. 그녀는 댄스 영상, 캐릭터 이미지 두 장, 노래를 업로드한 뒤, 영상은 카메라 움직임 레퍼런스로, 이미지 1은 왼쪽 댄서, 이미지 2는 오른쪽 댄서, 오디오는 배경 음악으로 사용하라고 모델에 지시했습니다. 모두 @로 태그하여 하나의 프롬프트에 담았습니다.
Bob pushed this further. In one of his demos, he referenced four different files in a single prompt: the face from image one, the overalls from image three, the shirt from image four, and a location from a reference video. The prompt was: the man in image one is walking down the street from the video wearing the overalls from image three and carrying the shirt from image four, talking to the camera. The model held consistency across every element. That is a remarkable amount of compositing happening from a single text prompt.
두 크리에이터가 레퍼런스의 작동 방식에 대해 배운 몇 가지:
참고 영상에 오디오가 있고 별도의 오디오 파일도 태그하면, 이 모델은 업로드한 트랙보다 영상에 원래 있던 오디오를 우선하는 경향이 있습니다. Mia의 팁: 직접 만든 음악이나 음성을 우선하고 싶다면 오디오 없이 영상을 업로드하세요.
참조는 구체적인 요소에만 국한되지 않습니다. 영상을 지정하며 "딱 이런 느낌으로만 해줘"라고 요청하면 다른 요소는 그대로 두고 스타일만 가져올 수 있습니다. Bob은 이 방법으로 한 영상의 비주얼 스타일(어안 렌즈, 깜빡이는 조명)을 완전히 새로운 장면에 옮겼습니다.
모든 레퍼런스 유형을 한 번에 사용할 필요는 없습니다. 텍스트 프롬프트에 캐릭터 이미지 한 장만 넣는 것도 완전히 유효한 사용법입니다. 요소를 겹겹이 쌓을수록 성능이 배가되지만, 어떤 복잡도에서든 잘 작동합니다.
립싱크, 음성, 연기 → Mia의 영상 7:57 지점 · → Bob의 오디오 심층 분석
Bob의 전체 영상은 이미지, 오디오, 비디오 전반의 레퍼런스를 깊이 있게 다룹니다. 립싱크와 보이스 클로닝 부분이 특히 돋보입니다.
가장 많은 크리에이터가 가장 많은 팁을 남긴 섹션이며, 여기엔 그럴 만한 이유가 있습니다. Seedance 2.0의 오디오 기능이야말로 지금 시장의 다른 모든 것과 차별화되는 핵심입니다.
Bob의 스크립트 활용 팁
이것은 세 영상 전체를 통틀어 가장 유용한 팁입니다. 오디오 참조로 립싱크를 할 때는 오디오 파일과 함께 실제 대사의 원문 스크립트를 프롬프트에 포함하세요. 그 이유는 다음과 같습니다.
Bob tested this with a clip of himself talking to camera. In his first attempt, he tagged the audio file and described the scene but did not include the exact words being spoken. The model listened to the audio and tried to replicate it, but got details wrong ("CGI 2.0" instead of "Seedance 2.0"). When he modified the prompt to explicitly spell out the words being said, the audio file combined with the written transcript produced dramatically better results. The lip sync was tighter, the words were accurate, and the overall performance was more convincing.
핵심 요령: 립싱크를 할 때는 항상 오디오 파일과 함께 실제 대사 텍스트를 제공하세요. 훨씬 더 좋은 결과를 거의 확실하게 얻을 수 있습니다.
오디오 길이를 영상 길이에 맞추기
Mia는 이걸 힘들게 깨달았습니다. 오디오 레퍼런스가 11초인데 영상을 15초로 설정하면, 모델은 오디오를 늘리거나 압축해서 맞춰야 하고, 타이밍이 어긋날 수밖에 없습니다. 항상 영상 길이 설정을 실제 오디오 파일 길이에 맞추세요.
음성 복제
Bob은 Ermin의 목소리(OpenArt 사무실에서 통하는 Uncle Monz)를 15초짜리 클립으로 음성 복제 시연을 했습니다. 방법은 이렇습니다. 복제하고 싶은 특성이 잘 담기도록 약 15초 분량의 목소리를 녹음합니다. 그 오디오를 립싱크 소스가 아니라 음성 레퍼런스로 태그합니다. 그런 다음 프롬프트에 실제 대사를 작성하면, 모델이 그 목소리로 새로운 음성을 생성합니다.
첫 시도는 Ermin의 자연스러운 말 속도에 비해 너무 빨랐습니다. Bob이 모델에게 9초 대신 14초를 온전히 주자, 결과물이 Ermin이 실제로 말하는 방식과 훨씬 비슷해졌습니다. 교훈은 이렇습니다. 페이싱은 목소리 샘플만큼 중요합니다. 그 목소리에 맞는 적절한 속도로 대사를 전달할 수 있도록 모델에게 충분한 시간을 주세요.
동일한 음성 레퍼런스를 여러 영상에 재사용해 캐릭터의 목소리 일관성을 유지할 수 있습니다.
Mia의 연기 디렉팅 팁 → Mia 영상의 12:20
Mia는 프롬프트만으로 캐릭터의 감정 연기와 에너지를 연출할 수 있다는 걸 발견했습니다. 여러분이 쓰는 단어는 캐릭터가 무엇을 말하는지뿐 아니라 어떻게 대사를 전달하는지에도 영향을 줍니다. "그가 신나서 말한다"라고 쓰면 캐릭터의 몸짓과 목소리 에너지가 달라집니다. "그녀가 초조하게 속삭인다"라고 쓰면 연기 전체가 바뀝니다.
이는 같은 장면에 여러 캐릭터가 있는 경우에도 적용됩니다. 다음 위치에서: Mia 영상의 11:10 지점에서, 그녀는 하나의 prompt로 두 캐릭터에 서로 다른 목소리 개성과 감정 상태를 부여하는 방법을 보여주며, 모델이 이를 구분해 유지하는 모습을 시연합니다.
Mia의 네거티브 가드레일 팁
장면 사이에 모핑 없이 깔끔한 전환을 원할 때(예: 네 개의 서로 다른 이미지에 걸쳐 내레이션할 때), Mia는 프롬프트에 네거티브 가드레일을 추가하는 법을 배웠습니다: "no morphing, no ghosting, no camera cuts." 이것이 없으면 모델이 때때로 시각적 결함처럼 보이는 방식으로 장면을 섞어버립니다. 가드레일을 넣으면 한 장면에서 다음 장면으로 선명하게 전환됩니다.
고급 레퍼런스: 모션, 스토리보드, 스타일 → Mia 영상의 13:22 · → Bob의 비디오 레퍼런스
얼굴과 음성에 대한 레퍼런스 시스템이 어떻게 작동하는지 이해했다면, 이제 또 어디에 활용할 수 있는지 알아보세요.
모션 및 카메라 전이
카메라 움직임이 마음에 드는 샷이 있다면 그 카메라 모션을 완전히 새로운 장면으로 옮길 수 있습니다. Bob은 카메라가 강아지 주위를 돌면서 강아지가 위아래로 뛰는 영상으로 이를 시연했습니다. 그는 그 영상을 참고 자료로 가져와 "이 영상을 카메라와 캐릭터 움직임의 참고로 사용해 허수아비가 트램펄린 위에서 뛰도록 만들어줘"라고 말했습니다. 그 결과 카메라 돌리 움직임과 뛰는 동작이 모두 새로운 캐릭터와 장면으로 옮겨졌습니다.
그는 실제 영상으로 모션 트랜스퍼도 선보였습니다. 다음을 사용해 19:15에 달리는 Emily의 클립, "1번 영상 속 여성을 1번 이미지 속 남성으로 바꾸고 눈이 내리게 해줘"라고 말했습니다. 모델은 캐릭터를 교체하고 겨울 날씨를 더했으며 달리는 동작은 그대로 유지했습니다. 일부 배경 디테일은 바뀌었지만(전체적인 분위기가 회색빛 겨울로 전환됨) 핵심 동작은 유지되었습니다.
Character Swap Split Screen LRB.mp4
스토리보드에서 영상으로 → Mia 영상의 13:22
만화 패널 스타일의 그리드나 스토리보드를 업로드하면 모델이 패널을 하나씩 따라가며 애니메이션을 시도합니다. Mia가 손으로 그린 그리드로 테스트해 보니 모델이 패널 순서대로 따라가긴 했지만, 패널 사이의 방향 논리는 비주얼만으로는 늘 명확하게 파악하지 못했습니다.
이 방식을 더 잘 되게 하는 두 가지 팁이 있습니다. 첫째, prompt에 패널 간의 서사적 흐름을 설명하세요. 모델은 단순한 시각적 순서가 아니라 이야기의 전개를 이해해야 합니다. 둘째, 스토리보드에 텍스트나 자막이 있다면 prompt에 "text overlay no captions on screen"을 추가해 텍스트가 생성된 영상에 번지지 않도록 하세요.
Mia는 실제 만화책 페이지를 이 작업에 쓸 수도 있지만, 기존 IP가 얽힌 건 조심하라고 조언합니다.
스타일 레퍼런스 및 템플릿 복제 → Mia의 영상 14:45 지점
Mia's template replication tip is a practical one for anyone producing content at volume. If you have a video with a visual style you like, you can reference it and tell the model to replicate just the style, not the content. She tested this by pointing to a video and saying she only wanted the fisheye lens effect and the flickering double-exposure look, then combined it with character images and outfit references to create a fashion sequence. The model picked up the abstract visual qualities without copying the specific content of the reference video.
시리즈 영상 전반에 걸쳐 일관된 비주얼 아이덴티티를 유지할 때 유용합니다. 마음에 드는 영상을 하나 만든 뒤, 이후 모든 생성 작업에서 그 스타일을 참조하세요.
생성 후: 확장 및 편집 → Mia의 영상 16:06
영상은 생성으로 끝나지 않습니다. Seedance 2.0은 생성 후에도 확장, 편집, 재작성을 지원합니다.
확장하기. 이어서 만들고 싶은 영상을 업로드하고, 앞으로(또는 뒤로) 확장을 선택한 뒤 몇 초를 늘릴지 지정하고, 재생 시간 설정을 맞춘 다음 새 구간에서 일어날 내용을 설명하세요. Mia는 영상을 앞으로 10초, 뒤로 10초 확장한 뒤 이를 합쳐 15초 생성 한계보다 긴 매끄러운 장면을 만들었습니다. 이건 정말 획기적입니다. 예전에는 15초 제한이 넘을 수 없는 벽이었죠. 이제는 컷 없이 더 길고 매끄러운 장면을 계속 만들어 갈 수 있습니다.
편집. 생성한 영상에서 이미 일어난 무언가를 바꾸고 싶다면, 기존 영상에 대해 모델과 대화하면서 무엇을 수정할지 알려주면 됩니다. Wan 2.7의 비디오 투 비디오 편집과 비슷하게 작동하지만, Seedance 2.0은 장면 속 요소를 더 정확하게 이해합니다.
핵심 요약
Seedance 2.0 is the most capable video model available on OpenArt right now, and the reference system is the reason to pay attention. The ability to tag images, video, and audio into a single prompt and have the model hold consistency across all of them is not something any other model is doing at this level. The lip sync is strong. The voice cloning works. The motion transfer is clean. The coherent VFX generation, where lighting and effects actually interact with the scene physically, is new territory entirely.
세 명의 크리에이터, 세 편의 영상, 그리고 하나의 일관된 결론: 이 모델은 귀 기울여 듣습니다. 복잡하고 여러 요소가 얽힌 프롬프트를 그 어떤 것보다 잘 따라옵니다. 가장 좋은 방법은 직접 들어가서 원하는 걸 요청해 보는 것입니다. 상상력이 정말 뛰어나거든요. Bob의 말인데, 그의 말이 맞습니다.