O que erramos quando falamos em "arte com IA"

Em 1859, o poeta Charles Baudelaire escreveu uma das críticas mais famosas da história da crítica de arte. Seu alvo era a fotografia. Ele a chamou de "o pior inimigo da arte" e o descartou como o refúgio de todo pintor fracassado sem talento demais para pegar um pincel de verdade. A fotografia, na visão dele, era uma máquina fingindo fazer o trabalho de um artista. Não exigia imaginação, nem habilidade, nem visão criativa. Era puramente mecânica e, portanto, puramente sem alma. E, ainda assim, o trabalho de Dorothea Lange Migrant Mother ajudou a mobilizar a ajuda alimentar federal durante a Grande Depressão, a tripulação da Apollo 8 Earthrise fotografia mudou a forma como toda uma geração entendeu nosso planeta, e a fotografia se tornou uma das formas criativas mais importantes que a humanidade já desenvolveu.

Pouco mais de um século depois, os sintetizadores passaram pelo mesmo tratamento. Quando o synth-pop começou a dominar as paradas no fim dos anos 1970 e início dos 1980, a reação foi imediata e visceral. Gary Numan descreveu o "hostilidade" que ele enfrentou de críticos que não achavam que música eletrônica era música de verdade, porque acreditavam que as máquinas é que faziam o trabalho. O vocalista do OMD, Andy McCluskey disse sem rodeios: muita gente realmente achava que o equipamento escrevia a música por você. O Queen estampou "No Synthesizers!" em quatro capas de álbuns consecutivas nos anos 1970, como que para tranquilizar os ouvintes de que o que eles estavam ouvindo ainda era legítimo. E por volta de 1982, o o sindicato dos músicos do Reino Unido votou por banir completamente sintetizadores e baterias eletrônicas, convencidos de que instrumentos eletrônicos tornariam os músicos humanos obsoletos. E, no entanto, hoje a música eletrônica é um dos gêneros mais ouvidos do planeta, e os sintetizadores estão tão presentes na produção moderna que a maioria das músicas pop não existiria sem eles.

Essas críticas provavelmente soam estranhamente familiares. Se você trocasse "fotografia" ou "sintetizador" por "arte com IA", encontraria argumentos quase idênticos publicados em seções de comentários e em artigos de opinião hoje, porque, embora as ferramentas mudem, a ansiedade claramente não muda.

We are, as a species, compulsively creative. We build tools, we extend our capabilities, and then we spend a generation or two being deeply unsettled by what we've built before finally absorbing it into the fabric of normal life. Cities once felt like an affront to the natural world. The printing press was going to destroy the memory of scholars. Recorded music was supposed to end live performance. The internet was going to rot our brains (jury's still out on this one). But in each of these cases, the tool eventually became so thoroughly woven into human culture that we stopped seeing it as foreign and started seeing it as ours.

A conversa em torno da "arte com IA" está bem na fase do medo agora, e o próprio rótulo é parte do que mantém as coisas assim.

Quando você chama algo de "arte de IA", você tira o artista humano do centro

Um fotógrafo não é um "artista de câmera". Um cineasta não é um "contador de histórias de lente". Um designer gráfico não é um "ilustrador de software". A gente não define profissionais criativos pelas ferramentas que usam, porque não é a ferramenta que torna o trabalho significativo ou distinto como resultado final. Quem faz isso é a visão criativa por trás dele.

Quando você chama algo de "arte de IA", coloca a ferramenta nos holofotes e empurra o ser humano para fora do palco. Toda conversa que se segue naturalmente gira em torno do software: a IA é criativa? Ela merece crédito? É realmente arte se um humano não fez cada traço? São questões filosóficas interessantes, mas quase totalmente irrelevantes para os milhões de pessoas que usam ferramentas generativas para fazer trabalho criativo de verdade todos os dias.

The label also flattens an enormous range of creative practices into one reductive term. Consider what "AI art" is currently being asked to cover: a brand creative director prototyping visual directions for a campaign, a solo illustrator building a consistent fantasy world they couldn't afford to render any other way, a filmmaker generating storyboard imagery at speed, a fashion designer exploring colorways in real time, a small business founder who finally has a way to make content that feels like their brand instead of like stock footage. These are wildly different practices with different goals, different skill sets, and different outputs. The only thing they share is one piece of the pipeline, and that shared tool has somehow become the defining characteristic of all of them, which would be a bit like calling every piece of writing created in Google Docs "software literature."

Nem o mundo da arte concorda sobre o que o termo significa. Um pesquisa recente da Artsy of more than 300 gallery professionals found three competing definitions in active use: some define "AI art" as fully prompt-based work, others focus on artistic intent regardless of tool, and others classify anything where AI meaningfully shapes the outcome. The survey's own conclusion was telling: these debates about legitimacy and value are happening without a common vocabulary. Professionals in the same field are using the same term to describe fundamentally different things, and then arguing about whether those different things have merit.

O mundo jurídico começa a se posicionar

The court of cultural opinion tends to dominate these conversations, but it's worth paying attention to what's happening in actual courts. Because when the legal system starts hearing cases and making room for how a new technology is actually being used, that's historically one of the clearest signs that it's here to stay and that culture will eventually follow. It always starts with a few brave people who just want to create, and little by little their work becomes recognized not just in law but in our colloquial way of life.

Em 2 de março de 2026, o A Suprema Corte dos EUA se recusou a julgar Thaler v. Perlmutter, the decade-long case about whether AI can be an "author" under copyright law. The ruling was clear: copyright requires human authorship. Works created autonomously by AI, with no human creative contribution, cannot be copyrighted. But the court left room for works where humans maintain genuine creative control through direction, prompting, and alteration. In other words, the legal system already distinguishes between "the AI made this" and "a human made this using AI." When we call something "AI art," we linguistically frame it as the first category, even when the reality is almost always the second.

Então, como devemos chamar isso?

Provavelmente o mais simples: chame pelo que ele produz. Ilustração. Arte conceitual. Imagem de marca. Motion graphics. Design visual. Storyboards. Fotografia de campanha. O meio é o resultado, não o processo que o criou, e ninguém pergunta a um fotógrafo se a imagem foi feita numa Canon ou numa Hasselblad antes de decidir como chamá-la.

Ou, quem sabe, talvez seja uma palavra totalmente nova, que ainda não existe, e que todos nós poderemos ajudar a moldar. Criar um vocabulário para acolher nossas ferramentas criativas recém-nascidas é um trabalho árduo por si só.

O que provavelmente deveríamos parar de fazer é usar por padrão um termo que coloca a IA como autora e o humano como mero espectador. Porque em todo estúdio, equipe de marca e fluxo criativo onde essas ferramentas são de fato usadas, não é isso que acontece. O que acontece é que as pessoas estão tomando decisões, dirigindo, editando, curando e descartando. Elas estão exercendo bom gosto e fazendo o trabalho que sempre tornou o trabalho criativo criativo, só que agora com um novo instrumento nas mãos.

E se você está se perguntando se essa mudança já está acontecendo na prática, a resposta é sim.

Sinais positivos

We know that it can feel like there's a lot of shade being thrown at creators who use these tools right now, and that it's hard to tell how far we really are from a cultural shift where this kind of work is simply accepted for what it is. But the positive signals are already there. Every generation's technological revolution has its naysayers, but there are also always the Gary Numans and Andy McCluskeys of the world, already jamming out on their synths and pioneering entirely new sounds before the rest of the culture catches up. The same thing is happening right now with GenAI.

Paul McCartney usou IA para extrair a voz de John Lennon de uma fita demo de décadas atrás e finalizar "Now and Then," a última música dos Beatles. Ninguém a chama de "música de IA". Chamam de música dos Beatles, porque a IA foi o instrumento e o que importava era a música.

Grimes has built toda uma infraestrutura criativa em torno da IA, desde o modelo de voz Elf.Tech dela que permite aos fãs criarem música usando a voz gerada por IA dela até arte visual vendida na Christie's. Ela não se considera uma "artista de IA". É uma artista que usa IA, entre muitas outras ferramentas, para concretizar uma visão que abrange música, arte visual e tecnologia.

E quando O Brutalista venceu vários Oscars em 2025, incluindo Melhor Ator para Adrien Brody, isso aconteceu depois de usar IA para refinar os sotaques húngaros que Brody e Felicity Jones passaram meses aprendendo com um coach de dialetos. A tecnologia poliu vogais e sons específicos na pós-produção para preservar a autenticidade de performances que eram, em todos os sentidos relevantes, dos próprios atores. Ninguém chama O Brutalista um "filme de IA". É um filme, e a IA foi uma parte pequena e invisível de como ele foi feito.

Como pensamos sobre isso na OpenArt

When we talk about the people who use OpenArt, we don't call them "AI artists." We call them creators, storytellers, filmmakers, founders. When we describe what the platform does, we don't say "AI generates images for you." We say "bring your characters, stories, brands, and worlds to life." That's not a branding exercise. It's a reflection of something we genuinely believe, informed by the same history this piece has been tracing. (In fact, every image in this post was made with generative tools on OpenArt.)

O padrão nos mostra que 1. o medo é real, 2. é fundamentalmente humano, e 3. isso também vai passar. Isso nos diz que as ferramentas sempre são absorvidas pela história maior de como as pessoas criam coisas. E nos diz que a coisa mais útil que podemos fazer agora é construir ferramentas que ficam fora do caminho e deixam os criadores focarem no que estão fazendo, e no porquê.

Existe algo genuinamente lindo no fato de continuarmos nos encontrando aqui, em mais um momento em que os humanos criaram algo novo e estão discutindo se aquilo conta. Centenas de anos depois de Baudelaire tentar acabar com a fotografia e décadas depois de o Sindicato dos Músicos tentar banir o sintetizador, ainda estamos inventando novas formas de criar e compartilhar uns com os outros, e nenhuma dose de resistência inicial jamais conseguiu impedir que isso acontecesse.